Meilleures musiques contemporaines à faire écouter aux enfants !

La musique contemporaine offre une palette diversifiée d’œuvres captivantes, originales et innovantes. Un matériau parfait pour éveiller les sens et l’imagination des enfants. Bien évidemment, celle-ci souffre de nombreux clichés : inécoutable, élitiste, austère… Cependant, rien n’est plus faux, tant cette dernière est variée, et traversée de courants et de styles différents. De plus, c’est un formidable moyen d’initier les enfants à la musique. Notamment les plus jeunes, qui ne sont pas encore formatés par tout un tas de jugements de valeurs. Voici donc notre sélection, forcément subjective et non exhaustive, des meilleures musiques contemporaines à faire écouter aux enfants !

Lux Aeterna de György Ligeti

La composition chorale Lux Aeterna, signifie Lumière éternelle en latin. C’est l’une des œuvres les plus captivantes du compositeur hongrois György Ligeti (1923-2006). Écrite en 1966, cette pièce pour chœur à 16 voix a cappella se distingue par sa complexité et son caractère micropolyphonique. Ainsi, sa structure unique, basée sur des canons superposés et des micro-intervalles, crée une sonorité envoûtante et évoque un sentiment d’apesanteur et d’éternité. En effet, les voix se mêlent et se superposent, créant une texture dense et vibrante.

Lux Aeterna a trouvé une place de choix dans le cinéma. En 1968, le réalisateur Stanley Kubrick l’a intégrée à son chef-d’œuvre 2001, l’Odyssée de l’espace. La scène où un vaisseau spatial voyage de la base lunaire jusqu’au site d’excavation d’un monolithe est accompagnée de cette composition. Plus récemment, en 2014, elle a également été utilisée dans les films Godzilla de Gareth Edwards et Jacky au royaume des filles de Riad Sattouf.

Lux Aeterna offre également une opportunité d’apprentissage précieuse pour les enfants. La structure répétitive de la pièce, basée sur des motifs simples, facilite la mémorisation et la compréhension des concepts musicaux fondamentaux tels que le rythme, la mélodie et l’harmonie. De plus, l’œuvre peut être utilisée pour explorer des thèmes tels que l’infini, l’espace, le temps et la spiritualité, favorisant ainsi la réflexion et la discussion.

La musique contemplative d’Arvo Pärt

Arvo Pärt, né en 1935, a marqué le paysage musical contemporain par sa singularité et sa quête spirituelle. Son parcours artistique est jalonné de transformations et d’expérimentations à la redécouverte des traditions anciennes. Mais c’est dans les années 1970 que Pärt trouve sa voie, celle du tintinnabulisme. Ce terme emprunté au latin signifiant : petite cloche, est un style musical unique créé par Arvo Pärt lui-même. Dans ces compositions, les notes semblent résonner comme des cloches, évoquant une atmosphère à la fois sacrée et intime. Ainsi, les œuvres tintinnabulistes d’Arvo Pärt sont imprégnées de simplicité, de répétition et de silence, invitant l’auditeur à une contemplation profonde.

L’occasion d’offrir à nos enfants une pause bienvenue dans notre monde bruyant et agité. Et leur laisser le temps de se laisser bercer par ces mélodies douces, favorisant la concentration, l’apaisement et la détente.

La musique minimaliste de Steve Reich

La musique minimaliste, également appelée musique répétitive, est un courant artistique qui émerge dans les années 1960. Elle se caractérise par une facilité apparente et une profondeur cachée. Parmi les pionniers de ce mouvement, Steve Reich, compositeur américain né le 3 octobre 1936 à New York, occupe une place centrale. Son œuvre, loin d’être simpliste, explore des concepts complexes et offre une expérience sonore unique. Ainsi, le minimalisme ne se réduit pas à une formule figée. En effet, son approche repose sur des boucles rythmiques, des motifs en constante évolution et des déphasages subtils. Loin d’être monotone, cette musique invite à l’écoute attentive et à la découverte progressive.

Steve Reich découvre la technique du phasing par accident, grâce aux magnétophones de mauvaise qualité qu’il utilisait. Ce procédé consiste à superposer des motifs musicaux légèrement décalés dans le temps. Dans des œuvres telles que Duet, The Four Sections ou The Desert Music, il explore cette approche, créant des textures sonores en constante transformation.

Une musique idéale, avec sa pulsation régulière et ses motifs hypnotiques, pour initier les enfants. Mais également une porte d’entrée vers l’exploration sonore et la créativité.

La musique répétitive de Philip Glass

Né en 1937, Philip Glass a passé une grande partie de sa jeunesse à Baltimore avant de poursuivre ses études à l’université Julliard de Chicago et à l’université Aspen du Colorado sous la tutelle de Darius Milhaud. Cherchant une nouvelle direction musicale, il se rend en Europe pour étudier avec la célèbre pédagogue Nadia Boulanger. De retour à New York en 1967, il forme le Philip Glass Ensemble, un groupe novateur composé de sept musiciens spécialisés dans les claviers et les instruments à vent. Son style musical unique, parfois étiqueté de minimaliste, repose sur des structures répétitives plutôt que sur des compositions conventionnelles.

Ses œuvres, jugées souvent à tort naïves ou simplistes, sont un matériau parfait pour initier les enfants, à la fois, à la musique classique et contemporaine. De plus, sa diversité, allant des compositions orchestrales, aux opéras, en passant par les bandes originales de films, offre une variété de points d’entrée dans son univers musical extrêmement riche.

La musique post-minimaliste de Max Richter

Max Richter est un compositeur germano-britannique né en 1966. Il se distingue par son approche unique, alliant éléments de musique classique, minimaliste et électronique. Sa musique se caractérise par ses longues mélodies planantes, ses textures riches et ses harmonies subtiles. Il explore des thèmes tels que la nature, le temps, la mémoire et l’émotion, créant des atmosphères à la fois contemplatives et intenses.

L’une de ses œuvres les plus connues est sa recomposition des Quatre Saisons de Vivaldi. En réorchestrant et en ajoutant des éléments électroniques à la partition originale, Richter offre une nouvelle perspective sur ce chef-d’œuvre baroque, lui conférant une dimension contemporaine et émotionnelle saisissante.

Ainsi, Max Richter est engagé dans une démarche qui tend à rendre la musique accessible à tous. Son album Sleep, composé de huit heures de musique paisible et mélodieuse, est conçu pour favoriser le sommeil et la relaxation. D’autres œuvres, comme The Blue Notebooks et Infra, explorent des thèmes oniriques et imaginaires. L’occasion pour les jeunes auditeurs de se lancer dans un voyage musical hors du commun.

La musique en boucle de John Adams

John Adams, compositeur américain né en 1947, est une figure incontournable de la musique contemporaine. Il a forgé son langage musical à partir de sources variées. Issu d’une famille de musiciens, il a grandi dans l’étreinte du jazz. Plus tard, alors qu’il étudiait la composition, il a ressenti le besoin vital d’un rythme, d’un beat qui le connecterait à son époque. C’est ainsi qu’il s’est tourné vers le minimalisme, ce mouvement caractérisé par sa pulsation hypnotique et sa simplicité tonale. Ainsi, il a su créer un style unique, alliant minimalisme, rythmes énergiques et orchestrations chatoyantes.

La musique de John Adams se caractérise par sa simplicité mélodique et ses structures répétitives, éléments qui facilitent l’écoute et la compréhension pour les jeunes oreilles. Ses œuvres, telles que The Chairman Dances, Short Ride in a Fast Machine ou Harmonielehre, invitent à un voyage musical vibrant et coloré, où chaque note raconte une histoire. Dès lors, guidés par cette pulsation, les enfants peuvent explorer un monde sonore où l’inattendu se mêle à la familiarité.

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Il ne me reste plus qu’à vous souhaiter une bonne écoute.

Hakim Aoudia.